Il y a des artistes qui arrivent dans la lumière comme une déflagration. Jeanne Viard, elle, s’y glisse autrement. Par la fragilité assumée, par une émotion qu’elle ne cherche jamais à dompter. Révélée dans la saison 2025 de la Star Academy, elle n’a pas construit son histoire autour d’un personnage ou d’un récit spectaculaire : elle a simplement laissé paraître ce qu’elle est — une jeune femme hypersensible, parfois débordée, mais incroyablement droite dans sa relation à la musique. Et c’est peut-être cette absence de calcul qui explique le phénomène. Son premier single, « Respire fort », est devenu un succès viral alors même qu’elle vivait encore enfermée dans le château, ignorant l’ampleur de l’écho qu’il provoquait dehors. Portrait d’une hypersensible qui pourrait bien être la nouvelle révélation de la scène française.

Jeanne n’est pas arrivée à la Star Academy comme une page blanche. À 22 ans, originaire du Sud-Ouest, elle écrivait déjà depuis longtemps, composait, déposait ses titres à la SACEM, avançait avec une conscience presque juridique de son travail — héritage inattendu de ses études de droit. Cette rigueur tranche avec l’image que l’on se fait souvent des jeunes talents télévisés. Chez elle, la musique n’est pas née de l’émission : elle l’a précédée. « Respire fort » est sorti avant même son entrée au château, dans une relative discrétion. C’est la diffusion télévisée qui a déclenché une réaction en chaîne, propulsant la chanson dans les classements et dépassant rapidement le million d’écoutes, puis plusieurs millions (12 millions de streams à ce jour).

Ce qui frappe, pourtant, ce n’est pas seulement le succès chiffré. C’est la nature du morceau. Une ballade piano-voix construite autour d’un thème rare dans la chanson française : l’angoisse, les crises intérieures, le souffle court. Jeanne y parle de ce moment où l’on se sent étranger au monde, où l’on tente simplement de… respirer. Elle a expliqué avoir écrit la chanson dans une période difficile, pour traduire ses crises d’angoisse et permettre à d’autres de se sentir moins seuls. Et tout à coup, une chanson extrêmement intime devient un hymne collectif. Le public en connaît déjà les paroles lorsqu’elle l’interprète en direct au prime de novembre 2025 — une scène presque irréelle pour une artiste encore au début de son parcours.

Dans la Star Academy, Jeanne n’était pas la candidate la plus bruyante ni la plus démonstrative. On lui a parfois reproché de pleurer trop souvent, d’être trop émotive — elle en a parlé ensuite en évoquant son hypersensibilité, devenue presque un marqueur de son identité artistique. Cette vulnérabilité, loin d’être un frein, a fini par constituer sa force narrative. Elle chante comme on confie quelque chose qu’on n’a pas encore totalement compris soi-même. Et cette sincérité crée une forme de proximité rare à la télévision, où l’on attend généralement des performances plus lisses.

Son parcours dans l’émission n’a pas été linéaire. Éliminée après plusieurs semaines, elle quitte pourtant l’aventure avec une forme de sérénité, consciente que quelque chose s’est déjà produit dehors. À ce moment-là, « Respire fort » dépasse déjà les 6 millions d’écoutes, et la jeune chanteuse découvre l’ampleur réelle du phénomène presque en même temps que le public. Cette dissociation entre succès numérique et vécu intérieur raconte bien son rapport à la célébrité : elle avance un peu en décalage, comme si l’essentiel était ailleurs.

L’après Star Academy confirme cette intuition. Jeanne monte sur scène à l’Olympia en première partie, accompagne la tournée de l’émission, et voit son nom s’installer doucement dans le paysage. Plus récemment, elle a officialisé la signature avec un label majeur, signe que l’industrie musicale croit désormais à une trajectoire durable et pas seulement à un effet de télévision. Là encore, ce qui intrigue n’est pas la vitesse mais la cohérence : tout semble prolonger un même récit, celui d’une artiste qui écrit avant de se montrer.

Artistiquement, Jeanne incarne une génération qui remet l’émotion au centre sans passer par la sur-dramatisation. Sa voix n’est pas une voix de puissance, mais de texture ; elle ne cherche pas à impressionner, mais à traduire. On sent l’influence d’une écriture française introspective, presque diariste, où l’on préfère nommer le trouble plutôt que le masquer. Là où d’autres jeunes artistes construisent une image, elle semble encore chercher un langage — et cette recherche elle-même devient passionnante à observer.

Le vrai enjeu, maintenant, pour Jeanne Viard, tient dans la suite. « Respire fort » a posé une première pierre très personnelle ; la question sera de savoir comment élargir cet univers sans en perdre la sincérité brute. Si elle continue à écrire avec cette honnêteté désarmante, Jeanne Viard pourrait bien s’installer comme une figure singulière de la chanson française : une artiste qui ne transforme pas la fragilité en spectacle, mais en matière vivante. Une voix qui ne prétend pas tout comprendre, mais qui rappelle à chacun une chose simple : parfois, le plus courageux, est simplement de continuer à respirer fort.

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Il y a, dans la musique contemporaine, des trajectoires qui se lisent comme des tremblements de terre culturels : des lignes de faille entre générations, langues, frontières. Bad Bunny, né Benito Antonio Martínez Ocasio à Bayamón en 1994, n’est pas seulement un musicien : il est l’incarnation sonore de plusieurs révolutions imbriquées — esthétique, identitaire, linguistique et politique. Là où tant d’artistes pop s’efforcent d’élargir leur influence en diluant leur origine, Bad Bunny a fait du choix de chanter en espagnol la pierre angulaire de sa puissance globale. Il a transformé la musique urbaine latine en une force mondiale non pas malgré sa langue, mais par elle : une langue d’émotion crue, de revendication et d’appartenance profonde. Alors qu’il vient de bouleverser la mi-temps du Super Bowl LX avec une performance à la fois festive et politiquement chargée, Bad Bunny est désormais sur toutes les lèvres — Portrait d’un artiste qui porte son art sans concession.

Le jeune Benito commence derrière un micro en postant des chansons sur SoundCloud, ouvrant une porte vers l’inconnu plutôt que vers le calcul commercial — un choix fondamental qui présage déjà de sa carrière. Très vite, sa musique redessine les contours du Latin trap et du reggaeton, genres longtemps considérés comme marginaux ou périphériques, en leur donnant une vitalité expressive inattendue. Il y insuffle une énergie déroutante : des rythmes urbains saturés de basses aux textures électroniques, des voix qui alternent entre rime effrénée et mélodie lacérée, tout cela en espagnol, sans jamais céder à l’anglicisation qui fut longtemps perçue comme la seule voie vers le succès global.

Cette posture linguistique n’est pas une coquetterie : c’est une déclaration de fidélité culturelle. Bad Bunny ne chante pas dans le monde, il chante pour un monde qui, souvent, a été relégué au bord de la carte. Cette fidélité ressemble à une mémoire : celle de Puerto Rico, de ses sons populaires, de ses rythmes Afro-caribéens, mais aussi de ses blessures historiques. Dans son album DeBÍ TiRAR MáS FOToS (2025), il tisse cette tension entre célébration et critique — célébration de la vie insulaire, de la fête, des danses partagées, et critique, parfois implicite, des structures économiques et politiques qui ont façonné l’île. Ce projet a remporté plusieurs récompenses majeures, y compris le prix Album de l’Année aux Grammy Awards 2026, une première pour un album entièrement en espagnol, et il a redéfini les termes mêmes de la reconnaissance globale.

Mais l’importance de Bad Bunny ne se limite pas à cette révolution linguistique. Il a également transformé la scène elle-même. Ses concerts, résidences et tournées mondiales — de sa résidence monumentale à Porto Rico à la tournée DeBÍ TiRAR MáS FOToS qui traverse le monde — ne sont pas de simples spectacles. Ils sont des rituels collectifs, des espaces de communion où la musique devient expérience immersive et narrative visuelle. Dans ces arènes, il ne livre pas des chansons, il déploie une dramaturgie qui engage corps, lumière, mouvement, mouvements sociaux et histoires personnelles.

Si son œuvre est, d’abord, une musique du corps — reggaeton, trap, rythmes caribéens — elle est aussi, toujours, une musique du corps social. Bad Bunny s’est imposé comme une voix pour les marginalisés, pour les communautés latines et afro-caribéennes, et pour toutes les identités que la culture dominante cherche trop souvent à éclipsier. Son passage au Super Bowl LX durant la nuit du 8 février 2026, premier artiste solo à chanter exclusivement en espagnol lors de ce spectacle planétaire, fut autant une fête musicale qu’un acte politique symbolique : une déclaration d’appartenance, de fierté, mais aussi de résistance. Sa performance — avec des symboles culturels, des rythmes populaires et des références à l’histoire insulaire — n’était pas une simple célébration de hits, mais une affirmation assumée de présence latine dans un espace global longtemps réglé sur d’autres fréquences. Parmi les moments les plus marquants : l’énumération des pays latins qui composent le continent américain, trop souvent réduit au seul prisme des États-Unis. Bad Bunny rappelle une évidence historique que Donald Trump préfère ignorer : l’Amérique n’a jamais été un territoire exclusif.

Ce lien entre l’esthétique et la politique est omniprésent dans sa carrière. Bad Bunny ne sépare pas l’art de la vie : il porte la mode comme étendard, brouille les normes de genre, défie les stéréotypes et investit chaque geste — chanson, look, discours — d’une charge expressive. Sa mode n’est pas accessoire mais idiome : elle interroge, elle provoque, elle inscrit la musicalité dans le corps social même, transformant ce qui aurait pu être simple représentation en engagement stylistique. Lui qui a commencé dans un supermarché à Puerto Rico, qui postait des morceaux modestement en ligne, est aujourd’hui capable de faire d’une scène de football mondial un espace de revendication culturelle. Mais cette ascension fulgurante ne s’explique pas uniquement par des chiffres de streaming ou de salles pleines — elle tient à sa capacité rare à articuler les contradictions de notre époque : globalisation et enracinement, fête et mémoire, autonomie et identité. Il est, paradoxalement, moins un produit de l’industrie qu’un phénomène diffusif qui irrigue les imaginaires, redéfinit les hiérarchies et dessine de nouvelles géographies sonores.

Alors que sa tournée continue en 2026 et que son œuvre s’étend — entre musique, engagement et représentation — la question qui se pose n’est pas celle d’un âge d’or déjà passé, mais bien de ce que Bad Bunny peut encore renverser, ouvrir et transformer. Il ne s’agit pas simplement de consolider un héritage, mais de penser à quel point une musique enracinée peut irriguer les imaginaires du futur. Et dans un monde où la langue, l’identité et l’influence culturelle restent des terrains de lutte, Bad Bunny n’apparaît pas seulement comme un artiste : il est une boussole possible pour la génération qui suit.

Nouvel album DeBÍ TiRAR MáS FOToS disponible — Bad Bunny est en tournée mondiale et sera notamment à l’Orange Vélodrome le 1er juillet 2026 et à Paris La Défense Arena les 4 et 5 juillet 2026. Réservations en points de vente habituels.

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Pour parler d’Olivia Dean, il faut commencer par ce qu’elle ne fait pas. Elle ne crie pas, ne sature pas l’espace, ne transforme pas l’intime en spectacle. Dans une époque musicale obsédée par la visibilité immédiate, la confession accélérée et l’identité brandie comme un logo, Olivia Dean avance autrement. Elle arrive après le vacarme, quand l’émotion a cessé de brûler et commence à laisser des traces. Sa musique ne s’intéresse pas au choc, mais au résidu : ce qui reste quand l’excitation retombe, quand l’amour se décante, quand le cœur comprend enfin ce qu’il a vécu. C’est une esthétique du délai, une politique de la retenue. Et c’est précisément ce contretemps qui la rend essentielle. Portrait d’une artiste pop qui refuse la performance.

Formée à Londres — ville-laboratoire où les héritages se frottent sans jamais se neutraliser — Olivia Dean porte la soul comme une langue maternelle, mais refuse d’en faire un musée. Chez elle, les influences ne sont pas des citations mais des climats intérieurs. On y perçoit la chaleur américaine, la rigueur narrative du songwriting britannique, une respiration jazz dans la manière de laisser vivre les silences. Son timbre, feutré, légèrement voilé, n’a rien d’ostentatoire : il suggère, il approche, il invite. Elle chante comme on parle à quelqu’un assis très près de soi, convaincue que l’écoute attentive a plus de pouvoir que l’emphase. La voix n’est pas ici un instrument de domination, mais un espace de confiance.

Ses premiers projets — Ok Love You Bye, puis Growth — posent d’emblée les fondations de cette grammaire émotionnelle. Ce sont des disques d’apprentissage, mais d’un apprentissage adulte : apprendre à se situer dans la relation, à reconnaître ses attentes, ses maladresses, ses angles morts. Là où beaucoup de récits R&B dramatisent l’amour en épisodes spectaculaires, Olivia Dean s’attarde sur les micro-mouvements : les silences qui s’installent, les désajustements progressifs, les phrases qu’on n’ose pas finir. Elle écrit l’amour comme un processus continu, fait d’essais, d’erreurs et de retours. Cette écriture de la zone grise lui permet d’échapper à la binarité confortable — idéalisation ou cynisme — pour investir un territoire plus rare : celui de la lucidité tendre. Musicalement, cette période révèle un refus instinctif de la surproduction. Les arrangements restent organiques, les grooves ont le temps de s’installer, les mélodies acceptent l’imperfection. Rien n’est là pour impressionner. Tout est pensé pour durer. Cette économie n’est pas un minimalisme à la mode, mais la conséquence logique d’un rapport exigeant à l’émotion : trop d’artifice en trahirait la vérité.

Messy (2023), son premier album, marque alors un élargissement décisif. Non pas une rupture, mais une prise de conscience. Le titre dit tout : l’acceptation d’un désordre intérieur que notre époque cherche à lisser sous des récits de maîtrise de soi. Messy est un disque de décantation. Olivia Dean y relit ses relations passées sans fracas, assume ses contradictions, ses attachements persistants, ses hésitations. Revendiquer le flou, l’inachevé, l’inconfort devient ici un geste presque politique à l’échelle intime : une résistance à la performance émotionnelle, à l’injonction d’aller vite, d’aller bien, d’aller fort. L’album est lumineux sans être euphorique, mélancolique sans être sombre. Il ne prêche pas la croissance personnelle, il la met en scène. On n’y écoute pas des leçons, mais des états. Et c’est cette nuance qui crée l’adhésion profonde : Messy ne sert pas à comprendre Olivia Dean, mais à se reconnaître à travers elle.

Avec The Art of Loving (2025), elle déplace encore le centre de gravité. Là où Messy relevait du journal intérieur, ce deuxième album assume un format plus ouvert, plus panoramique. Le titre est programmatique : aimer n’est pas une évidence, c’est une pratique. Un art, donc — exigeant, imparfait, parfois ingrat. Olivia Dean ne romantise pas l’amour, elle l’étudie. Elle s’intéresse à ce qu’il demande, à ce qu’il coûte, à ce qu’il révèle de nos limites. Musicalement, le disque élargit la palette : la soul y dialogue avec une pop plus cinématique, parfois teintée d’un imaginaire soft rock, presque californien, sans jamais perdre le toucher initial. Les chansons s’ouvrent, les refrains se dessinent davantage, la douceur apprend à se projeter. Ce n’est pas un reniement, c’est une expansion. La retenue devient ampleur.

Cette évolution va trouver sa traduction la plus visible sur scène. Sa tournée mondiale à venir confirme que ce qui semblait une musique de proximité est capable d’une puissance collective sans se travestir. Olivia Dean ne change pas de nature en grand format : elle l’agrandit. Cette tournée qui se joue à guichets fermés n’est pas un simple arrêt de calendrier, mais un signal. Celui d’une artiste qui peut désormais tenir une foule sans hausser le ton, faire de la délicatesse un spectacle, transformer l’écoute attentive en expérience partagée. Peu d’artistes réussissent ce passage sans perdre leur centre ; elle y parvient parce qu’elle n’a jamais confondu intensité et agitation. Son image publique prolonge cette cohérence. À rebours de la pop hypersexualisée comme de l’authenticité performative, Olivia Dean cultive une élégance mesurée, une présence calme. Elle ne fait ni de son corps un argument, ni de sa vie privée un récit marchand. Cette distance assumée face à la surexposition renforce paradoxalement son impact : elle incarne une forme de décence contemporaine, non par morale, mais par fidélité à son propre rythme.

Reste la question de l’avenir. Olivia Dean ne sera sans doute jamais une artiste du coup d’éclat. Sa trajectoire s’écrit dans la durée, par accumulation sensible plutôt que par rupture stratégique. Le défi à venir n’est pas de faire plus, mais d’oser l’accident : introduire de la rugosité, de l’angle mort, une tension nouvelle dans cette maîtrise déjà impressionnante. Si elle accepte ce léger dérèglement, sans renier ce qui fait sa singularité, elle pourrait devenir l’une de ces voix rares que l’on accompagne longtemps. Une artiste qui ne sert pas à fuir le réel, mais à l’habiter avec plus de précision. Et dans un monde qui confond sans cesse le bruit avec la profondeur, cette force tranquille pourrait bien être, à terme, la plus subversive.

Nouvel album « The Art of Loving » maintenant disponible — Olivia Dean sera en tournée mondiale dès le mois d’avril 2026 et notamment à l’Accor Arena de Paris le 17 juin prochain (COMPLET). Réservations en points de vente habituels.

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Il y a des artistes qui existent très bien en studio, et d’autres qui n’existent pleinement qu’au contact d’un public. Selah Sue appartient à cette seconde catégorie : celle des corps électriques. On peut aimer ses disques, on peut les user jusqu’à la transparence, mais c’est sur scène qu’elle devient ce qu’elle est vraiment — une force qui traverse, une présence qui tient la salle comme on tient une promesse. Sa voix a beau être chaude, souple, immédiatement reconnaissable, ce n’est pas seulement un timbre : c’est un geste. Une manière d’habiter chaque phrase avec la même intensité que si elle la découvrait au moment même où elle la chante. Portrait véritable d’une bête de scène.

Son histoire commence comme beaucoup d’histoires qui finissent par déborder : très jeune, la musique comme refuge et comme arme, la guitare comme première complice, l’écriture comme manière de fixer ce qu’on n’arrive pas à dire autrement. Puis la scène arrive vite, presque trop vite, et tout s’accélère. Quand son premier album s’impose au début des années 2010, Selah Sue n’est pas simplement “une nouvelle voix” : elle est déjà une interprète totale. Les morceaux portent une signature nette — une soul contemporaine traversée de reggae, de groove, de pop — mais on sent surtout une urgence : celle de quelqu’un qui ne chante pas pour décorer le silence, mais pour s’y mesurer.

Ce qui frappe alors, c’est l’équilibre improbable qu’elle tient d’emblée. D’un côté, un sens du refrain évident, presque insolent, une manière de fabriquer des chansons qui s’impriment sans s’excuser. De l’autre, une rugosité, une aspérité émotionnelle qui empêche toute joliesse de tourner au sucre. Selah Sue a la douceur, oui, mais une douceur qui mord. Une douceur qui connaît la nuit. Et très vite, ce mélange-là devient sa marque : un art d’être accessible sans être lisse, populaire sans être diluée.

Sur scène, cette équation prend une dimension supérieure. Elle ne joue pas “devant” les gens : elle joue “avec” eux, au sens physique du terme. Elle sait faire monter un groove comme on fait monter une foule, ouvrir un espace de confidence au milieu du bruit, faire d’un refrain une étreinte collective. Son charisme n’est pas celui de la démonstration ; il tient à une chose plus rare : la vérité immédiate. Elle chante comme si chaque chanson était un endroit où se tenir debout. Et le public le sent. Chez elle, l’énergie n’est pas un effet de show : c’est un engagement.

Sa trajectoire, ensuite, refuse la ligne droite. Le deuxième album élargit le spectre : la même colonne vertébrale soul, mais avec plus de jeu sur les textures, une production plus ample, des angles plus nerveux. On entend une artiste qui ne veut pas devenir sa propre caricature, qui cherche à déplacer son centre de gravité : moins d’évidence reggae, plus de pop noire au sens large, plus d’électro-funk, plus de contrastes. Et puis il y a le temps long, les silences, la vie qui travaille sous la peau. Quand Selah Sue revient avec un album plus tardif et plus introspectif, elle ne revient pas “comme avant” : elle revient autrement. La voix a gagné en profondeur, en nuance, en gravité. L’écriture s’autorise des zones plus fragiles, moins immédiatement solaires : la lumière existe toujours, mais elle vient après l’ombre, pas à la place de l’ombre.

C’est là que son évolution est la plus belle : Selah Sue n’a pas changé de nature, elle a changé de densité. Au départ, elle était l’éclat — l’énergie irrésistible, la fraîcheur explosive. Avec les années, elle devient aussi l’épaisseur : celle qui sait que la joie n’est pas naïve, qu’elle se conquiert. Son style a suivi son corps : d’abord l’élan, ensuite la conscience. La même pulsation, mais avec des cicatrices qui font partie du groove.

Ses influences, elles ne se réduisent pas à une liste de noms : elles se devinent à la façon dont elle place sa voix, dont elle sculpte ses silences, dont elle choisit le point exact où la chanson doit basculer. On entend la tradition soul et R&B — cette idée que l’émotion doit passer dans la chair du son — mais aussi la science du groove héritée du reggae et des musiques de scène, celles qui savent que le rythme est une communauté. On entend également une sensibilité très “songwriter” : guitare en avant, mélodies qui racontent, structures simples mais habitées. Et puis, surtout, on entend une culture du contraste : le chaud et le sec, le doux et l’âpre, l’intime et le collectif.

De qui est-elle l’héritière ? D’une lignée d’artistes qui ont fait de la soul un langage de survie et de liberté, mais sans imitation servile. Selah Sue est de la famille de celles qui transforment l’aveu en force : une intensité à la Nina Simone — non pas dans le style, mais dans l’exigence de vérité ; une manière d’embraser un refrain qui rappelle les grandes performeuses pop-soul capables de faire danser sans renoncer au fond ; et une simplicité mélodique proche des artistes qui savent qu’une chanson peut être une arme douce. Elle n’est pas la copie d’un héritage : elle en est une continuation moderne, européenne, nourrie d’un rapport très direct au public, très “festival”, très vivant.

C’est pour cela que la sortie de son premier album live As One a valeur d’évidence. Un live, chez Selah Sue, n’est pas un produit dérivé : c’est presque la forme originelle. C’est là qu’on comprend que son art ne se limite pas à interpréter des titres, mais à fabriquer un moment commun. Ce disque capturé sur scène vient acter quelque chose : sa carrière s’est construite à la force du concert, à coups de soirs où tout se joue en une heure et demie, à coups de refrains chantés à plusieurs milliers, à coups de silences tenus comme des aveux. Le studio fixe. La scène prouve. Et ce live dit aussi une autre chose, plus rare : Selah Sue n’est pas seulement une “voix” ni seulement une “énergie”. Elle est une cheffe d’orchestre émotionnelle. Elle sait quand il faut taper fort, quand il faut laisser respirer, quand il faut sourire, quand il faut serrer les dents. Elle a ce talent rarissime : transformer un concert en récit, et un récit en communion.

Au fond, Selah Sue incarne ce que beaucoup promettent et que peu accomplissent : une pop-soul qui a du cœur sans être mièvre, du groove sans être décoratif, de la puissance sans cynisme. Une artiste qui ne se contente pas de “bien chanter” — mais qui fait de la scène un lieu où l’on se rappelle, collectivement, qu’on est vivant. Son premier album live As One vient le graver : Selah Sue n’est pas seulement une chanteuse. C’est une présence. Une bête de scène. Et, surtout, une énergie humaine mise en musique.

Premier album live « As One » maintenant disponible en physique & digital — Selah Sue sera en tournée dans toute la France dès le printemps 2026 en festivals avec le groupe The Gallands. Réservations en points de vente habituels.

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Dans un paysage musical où la frénésie médiatique est devenue la norme et l’instantanéité un credo, Ebony a choisi le contre-pied : celui du temps long. Issue de la dernière saison de la Star Academy, la jeune chanteuse a surpris autant qu’elle a intrigué en prenant son temps avant de dévoiler son premier single, « RAGE ». Alors que ses camarades de promotion sortaient leurs titres dans la foulée, surfant sur la vague encore chaude de la médiatisation, Ebony a préféré le silence, la maturation, la mise à distance. Un geste rare, presque audacieux, dans une industrie où l’on confond souvent vitesse et vitalité. Portrait d’une jeune femme qui a la dalle.

Ebony donne (enfin) le go. Son premier single « RAGE » n’est donc pas une chanson de plus dans le flot des productions calibrées post-télé : c’est un manifeste intime, une carte de visite assumée, un cri retenu. Loin du vernis pop de circonstance, Ebony livre un morceau viscéral, à la croisée de la chanson française et d’une énergie plus urbaine, où la tension émotionnelle se traduit autant dans la voix que dans le texte. Ce qui frappe, c’est cette sincérité nue, cette absence de calcul. La rage qu’elle évoque n’est pas théâtrale : elle est celle d’une jeune femme qui refuse d’être une étiquette, un produit dérivé d’un format télévisuel. Une réponse également à tous les détracteurs qui ont cru la déstabiliser à coup de propos racistes ou misogynes. Mais il en faut plus pour freiner Ebony, sur la rampe de lancement. Elle revendique le droit à l’authenticité dans un système qui, souvent, broie la nuance.

Ce temps qu’elle a pris, ce temps qu’elle a voulu, n’est pas une hésitation mais une stratégie instinctive : celle de reprendre la main sur sa narration. Car l’après télé-crochet est une période redoutable. À peine la saison terminée, déjà une nouvelle promotion s’annonce, reléguant la précédente au rang de souvenir médiatique. Le cycle est implacable : la télévision crée, consomme, remplace. Les jeunes artistes, propulsés du jour au lendemain sous les projecteurs, découvrent brutalement la dureté de cette exposition : le public les connaît avant même qu’ils aient eu le temps de se connaître eux-mêmes.

L’industrie, de son côté, joue souvent la montre. Les maisons de disques veulent capitaliser sur la notoriété éphémère du programme : sortir un single vite, maintenir la visibilité, occuper le terrain. Le problème ? Dans cette course à la rentabilité immédiate, la plupart des jeunes talents n’ont pas encore trouvé leur voix, leur univers, leur équilibre. On leur propose des chansons préfabriquées, des univers clé en main, des esthétiques qui rassurent les labels plus qu’elles ne révèlent les artistes. Le risque est immense : sortir trop tôt, mal accompagnés, et disparaître aussitôt que la lumière s’éteint.

Ebony, elle, semble avoir compris cela. Elle a choisi de ne pas être la chanteuse d’un buzz mais l’autrice d’une trajectoire. « RAGE » n’est pas un single opportuniste : c’est une déclaration d’intention. On y sent l’envie d’exister en dehors du prisme Star Academy, d’affirmer une identité singulière, émotionnelle, ancrée dans une sincérité brute. La chanson dit sa colère, sa lucidité, mais aussi son besoin de réconciliation : avec elle-même, avec le monde, avec le public.

L’avenir dira si Ebony parviendra à franchir ce seuil difficile : celui qui sépare la candidate de télé-crochet de la révélation de la nouvelle scène française. Mais déjà, dans son choix de lenteur et d’intégrité, il y a un signe fort. Dans une époque où l’on produit des artistes comme on scrolle, sa patience est un acte de résistance, presque politique.

Si Ebony parvient à transformer cette rage en énergie créatrice durable, si elle garde la maîtrise de son univers tout en s’ouvrant à d’autres collaborations, alors Ebony pourrait bien incarner autre chose qu’un simple souvenir télévisuel : devenir une nouvelle figure de la chanson contemporaine, consciente, sensible et indocile. Chez singulier, on y croit.

Premier single « RAGE » disponible en digital — Ebony sera en tournée dans toute la France en 2026 et notamment à La Maroquinerie de Paris le 24 février (COMPLET) et sur la scène des festivals à l’été 2026. Réservations en points de vente habituels.

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Avant d’être P3gase, il a longtemps été l’ombre lumineuse des autres. Florian Rossi, musicien surdoué passé par le conservatoire, pianiste instinctif, multi-instrumentiste capable de faire sonner un synthé comme une confession, a d’abord construit sa réputation derrière les projecteurs. On a vu son nom dans les crédits, sur les scènes des plus grandes salles, dans les staffs des artistes pop les plus en vue. Lui, discret mais incandescent, portait la musique des autres comme on porte un secret trop vaste. À tel point qu’on en oubliait qu’il avait, lui aussi, un univers à exploiter. Portrait d’un artiste discret qui prend enfin toute la lumière qui lui revient.

P3gase naît de ce besoin-là : arrêter de prêter ses ailes et enfin voler avec les siennes. Un pseudonyme choisi comme un totem, à la fois mythologique et technologique — un cheval ailé dont les plumes sont des synthés, une créature libre qui s’affranchit des codes. Derrière ce nom, il y a un virage assumé : celui d’un musicien qui passe du rôle d’arrangeur-instrumentiste à celui d’auteur-producteur. Plus qu’un changement de vie, une mue artistique.

Ce qui frappe dans ses compositions, c’est la finesse. Un sens de l’équilibre sonore rare : pop électronique, textures enveloppantes, lignes mélodiques qui avancent comme des souvenirs flous, beats tenus, retenus, presque timides. P3gase écrit la fragilité et la douceur comme d’autres écrivent l’urgence. Sa musique a quelque chose de céleste, mais sans emphase — de la pop contemplative, précise, toujours au bord du frisson.

Florian Rossi vient de ces musiciens pour qui la technique n’est pas un étendard mais un vocabulaire. Ses années à accompagner des artistes majeurs — comme Stromae Louane, Soprano — l’ont façonné : le goût des détails, l’exigence, la science du live, la capacité à tenir un projet sur ses épaules tout en s’effaçant derrière sa beauté. Mais dans son projet solo, il ne s’efface plus. Il avance. Il affirme. Il explore une palette intime où la fragilité n’est plus un défaut mais une esthétique.

P3gase est un artiste de transitions. Transition entre lumière et pénombre, entre mélancolie et apesanteur, entre pop et électronique. Sa voix — douce, retenue, presque confiée — s’inscrit au cœur d’un univers où chaque morceau ressemble à un instant suspendu. Chez lui, la vulnérabilité n’est jamais martelée : elle se dépose, elle respire, elle ouvre. Une pop du murmure, du battement intérieur, de la sensation plus que de la démonstration.

Aujourd’hui, après des années à servir les autres, P3gase impose doucement son propre récit. Une musique qui ne cherche pas l’effervescence, mais l’évidence. Une écriture sensible, tactile, fluide, qui dit beaucoup sans jamais hausser le ton. Florian Rossi fait partie de ces artistes dont on comprend très vite qu’ils ne veulent rien conquérir — seulement toucher juste. Et maintenant que ses ailes sont déployées, on comprend enfin ce qu’il retenait depuis tout ce temps : un univers de douceur, de maîtrise et de haute émotion, entièrement à lui.

Premier album r3ves maintenant disponible — P3gase sera en concert le 17 décembre 2025 à La Boule Noire de Paris. Réservations en points de vente habituels.

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Sofiane Pamart n’est pas un pianiste comme les autres. Né à Dunkerque en 1991, il est rapidement confronté à un univers où le contraste entre les rugosités de la vie et les élans artistiques devient une évidence. Son parcours est à l’image de sa musique : hybride, audacieux et profondément singulier. Portrait d’un véritable prodige qui s’est affranchi des codes.

Formé au conservatoire, Sofiane Pamart maîtrise les codes du piano classique avec une rigueur exceptionnelle, mais il ne se contente jamais de les répéter. Très tôt, il ressent le besoin de briser les frontières entre genres, de faire dialoguer le classique avec le rap, le jazz, et les sons contemporains de la pop moderne. Ce qui frappe chez cet artiste, c’est sa capacité à créer une émotion brute à travers le piano. Ses morceaux, souvent instrumentaux, ne portent pas seulement des notes : ils racontent des histoires, décrivent des paysages intimes et universels à la fois. Dans son approche, chaque silence compte autant que chaque accord ; chaque variation de tempo et de nuance raconte une respiration, un souffle de vie. Il a su faire de cet instrument noble un vecteur de mélancolie, de rage contenue, d’euphorie et de poésie urbaine, sans jamais trahir sa singularité.

Sofiane Pamart a d’abord émergé dans l’univers du rap, collaborant avec des figures majeures telles que Vald, SCH, Kaaris ou Jok’Air. Dans ce contexte, son piano n’était pas un simple accompagnement : il venait structurer, colorer et transcender les morceaux, offrant au rap français une dimension symphonique inédite. Mais contrairement à beaucoup de producteurs ou musiciens associés au rap, Sofiane Pamart a su se détacher de ce cadre pour imposer son piano en solo, comme un narrateur indépendant de sa propre histoire.

Son premier album solo, PLANET (2019), dévoile déjà cette capacité à fusionner une technique classique impeccable avec des sonorités modernes et populaires. Chaque composition est une scène, un microcosme émotionnel où le mélodique dialogue avec le percussif, où le romantique se heurte à l’urbain. Ce mélange devient rapidement sa signature, reconnaissable dès les premières notes : un piano puissant, un souffle dramatique, une capacité rare à habiter la musique d’une intensité viscérale.

Ce voyage intérieur que Sofiane Pamart a amorcé avec PLANET puis LETTER (2022) trouve un de ses plus beaux aboutissements dans NOCHE (2023), son troisième album solo, qui plonge l’auditeur au creux de la nuit — nuits urbaines, nuits d’âme, nuits de questionnements silencieux. L’album développe avec une élégance sombre et rêveuse ses thèmes de l’errance, de la nostalgie, du désir de lumière au cœur des ténèbres. Dans ces compositions, le piano cesse d’être un simple instrument : il devient un phare dans l’obscurité, un refuge et une catharsis, capable d’éveiller la mémoire, de réveiller des images enfouies, de créer un espace de respiration intérieure.

Sur scène, NOCHE se révèle avec intensité. Les récents concerts de Sofiane Pamart l’ont vu porter sur les planches cette musique nocturne, transformer les salles en cathédrales d’émotion, faire vibrer le silence aussi fort que les accords. Le public, souvent transgénérationnel, répond présent, conquis par cette façon qu’il a de mêler la rigueur classique à une sensibilité contemporaine universelle. En live, Sofiane Pamart est une révélation. Son piano devient un prolongement de son corps, de ses émotions. Il impose une présence qui ne se limite pas à l’exécution d’un morceau : il habite l’espace, invite à la contemplation, impose un rythme à la fois hypnotique et organique. Cette puissance lui a permis de remplir des salles prestigieuses, d’être programmé dans des festivals majeurs, tout en conservant cette dimension intime et presque sacrée qui caractérise son univers.

Mais l’événement le plus marquant s’annonce pour le 17 avril 2027. Après ses concerts parisiens à l’Accor Arena, aux Jeux Olympiques, au Château de Chantilly et à l’Opéra Garnier, Sofiane Pamart sera le premier pianiste de l’histoire à se produire au Stade de France. Cette date — rare, ambitieuse, audacieuse — symbolise à la fois l’ascension d’un artiste hors norme et la reconnaissance, par le public populaire comme par l’institution, de la valeur de son œuvre. Ce ne sera pas seulement un concert : ce sera un moment charnière, un jalon dans la mue du piano “classique” vers une forme de musique moderne, vivante, massive, profondément sensible.

Au fil des années, Sofiane Pamart a élargi son public, séduisant à la fois les amateurs de classique et ceux de musique urbaine ou populaire. Ses albums et singles atteignent régulièrement des records d’écoute sur les plateformes de streaming, preuve que sa musique transcende les codes et les catégories. Il multiplie les collaborations avec des artistes aussi variés que Pomme, Hamza, ou Lomepal, mais également avec des marques et institutions culturelles qui voient en lui un créateur capable de faire parler le piano dans tous les langages contemporains.

Définitivement, Sofiane Pamart incarne une nouvelle idée du pianiste : celle qui ne se limite pas aux partitions classiques ou au folklore des conservatoires, mais qui invente un pont entre l’univers technique et la sensibilité brute. Son piano devient un instrument de narration universelle, capable de toucher l’âme au-delà des âges, des cultures et des genres. Il a réussi à imposer une voix singulière dans un paysage musical où la virtuosité et la popularité peinent souvent à se rencontrer. Il rappelle surtout que le piano peut encore être sauvage, urbain, contemporain, et profondément humain.

Nouvel album en préparation — Sofiane Pamart est actuellement en tournée dans toute la France, au Luxembourg, en Allemagne et en Suisse pour quelques dates exceptionnelles (quasiment toutes complètes) et notamment à l’Opéra Garnier de Paris le 18 janvier 2026 (COMPLET) et au Stade de France de Paris le 17 avril 2027 (dernières places disponibles).

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Elle s’appelle Pauline Rambeau de Baralon, mais c’est sous le nom de scène P.R2B qu’elle s’invente un territoire à part dans la musique française. Avant la chanson, il y a le cinéma, la Fémis, l’œil avant la voix. Et pourtant, dès ses premiers titres, quelque chose d’éblouissant surgit : une manière de dire le monde en l’observant de biais, en le capturant comme un plan-séquence nerveux. Portrait d’une artiste qui transforme chaque morceau en petit film électrique.

Avec son premier EP Des rêves (2020), puis avec Rayons Gamma (2021), elle impose un style immédiatement reconnaissable : une pop synthétique et charnelle, traversée de fulgurances rap et d’élans techno. Une musique qui casse les lignes, qui refuse les cases, qui respire comme une ville la nuit. Depuis ses débuts, elle semble écrire avec les nerfs autant qu’avec la voix, sculptant des récits d’époque, des rêves fissurés par la modernité, des amours traversés par le doute, des colères sous la peau. Et toujours ce grain unique : une voix qui tremble et mord, qui raconte avant même de chanter.

Ce matin sort son nouvel album Presque Punk, et l’expression sonne comme un manifeste. P.R2B n’a jamais cherché la perfection lisse : elle préfère l’accroc, la faille, le dérapage contrôlé. Ici, tout est pensé comme un geste d’insoumission poétique. Les sons cognent, bourdonnent, frôlent le chaos sans y sombrer. Les machines se mélangent aux respirations humaines ; les beats sont lourds, les mélodies lumineuses. On y entend un refus du conformisme, une envie d’inventer d’autres rythmes pour vivre — ou survivre. Ce disque bat vite, bat fort. Il bat vrai. Les textes, eux, sont d’une précision rare : un mélange de lucidité sociale, de tendresse, de rage élégante. P.R2B parle de travail, de désir, d’avenir, de fatigue, de nocturnes intimes, de foules solitaires. Elle dit l’époque comme peu savent la dire : sans posture, sans désenchantement convenu, mais avec une forme de lucidité inquiète qui devient beauté. On sent chez elle cette manière de transformer les angoisses en énergie, les fractures en art. Sa musique ne console pas, elle secoue, elle réveille, elle rallume.

Et puis il y a la scène. Chez P.R2B, le concert n’est jamais un simple passage : c’est une zone de tension, de catharsis, de communion brute. Elle s’y jette comme on plonge dans une foule sans filet. L’annonce d’une nouvelle tournée laisse deviner qu’elle veut vivre Presque Punk non pas comme un objet, mais comme un choc collectif, un moment à faire vibrer ensemble.

Dans un paysage musical souvent lissé, calibré, algorithmique, P.R2B réintroduit le risque. Elle démontre que la pop française peut être frontale, politique, organique, tout en restant sensible et accessible. Elle ne cherche pas la séduction immédiate, mais la déflagration intime : cette émotion précise qui t’arrive d’un coup, sans prévenir.

Avec Presque Punk, P.R2B signe un album fiévreux, électrique, traversé d’ombres et d’éclats. Un disque qui confirme sa place à part dans la chanson française : celle d’une artiste qui regarde la vie droit dans les yeux, quitte à vaciller, mais sans jamais tricher. Elle y explore nos vertiges, nos révoltes intimes, nos beautés cabossées, avec une sincérité qui frappe au plexus. Presque Punk est une secousse, une nécessité, un souffle brûlant. Une preuve, une fois encore, que P.R2B fait partie de ces voix qui comptent — parce qu’elles ne mentent jamais.

Nouvel album Presque Punk maintenant disponible — P.R2B sera en tournée dans toute la France en 2026 et notamment à La Cigale de Paris le 17 mars 2026. Réservations en points de vente habituels.

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Fredrika Stahl appartient à cette famille d’artistes rares dont l’empreinte tient moins au volume qu’à la vibration. Depuis ses débuts, la chanteuse et compositrice suédoise cultive un art de la nuance qui fait d’elle une figure singulière : une funambule entre la pop feutrée, le jazz minimaliste et une forme de poésie mélodique qui lui est propre. Rien n’est jamais frontal chez elle ; tout se déploie en filigrane, dans ce murmure précis qui porte plus loin qu’un cri. Portrait d’une artiste qui a choisi de faire un pas vers la langue des émotions nues.

Révélée au milieu des années 2000 avec A Fraction of You (2006), Fredrika Stahl apparaît d’emblée comme une artiste à part. Sa voix étonne : aérienne, claire, presque fragile, mais tenue avec une rigueur cristalline. On pourrait croire à de la douceur pure ; c’est en réalité une force subtile, celle de l’interprète qui sait exactement où poser chaque souffle. Elle construit ensuite album après album un univers cohérent et mouvant, du jazz-pop lumineux de Tributaries (2008) aux couleurs plus électroniques de Sweep Me Away (2010), jusqu’à Off to Dance (2013), ode à l’élan vital, et Natten (2021), disque nocturne et habité où elle explore de nouvelles textures sonores.

Ce qui traverse toute son œuvre, c’est un sens aigu de l’atmosphère. Fredrika Stahl écrit comme on peint : des aplats de clarté, des ombres douces, des reliefs qui émergent sans prévenir. Elle est capable, en quelques accords de piano, de créer des espaces intérieurs immenses où l’émotion circule librement. Son écriture, souvent introspective, puise dans la simplicité des images pour révéler la complexité des sentiments. Sa musique, elle, oscille entre intimité et ampleur, entre organicité et sophistication discrète — une qualité qui explique sans doute pourquoi son travail résonne si facilement avec l’image, du cinéma à la publicité.

Sur scène, elle se révèle dans une forme de retenue magnétique : une présence calme, ancrée, presque méditative. Fredrika Stahl ne cherche pas l’effet ; elle cherche la justesse. Et dans ce refus assumé du spectaculaire se cache précisément ce qui la rend inoubliable. Sa voix n’a jamais besoin de s’imposer : elle enveloppe, elle traverse, elle reste.

Ces dernières années, l’artiste a poursuivi son chemin avec une liberté accrue, s’aventurant vers de nouveaux territoires linguistiques et sonores. Une étape importante de cette exploration fut sa collaboration en 2021 avec Dominique A sur Natten, rencontre naturelle entre deux sensibilités faites de sobriété, de tension douce et de profondeur émotionnelle.

Cette alliance se prolonge aujourd’hui avec un nouveau projet qui marque un tournant dans sa carrière : un EP entièrement chanté en français, La Maison, sorti ce matin sur les plateformes. Son premier extrait, « L’ennui et le danger », met en musique un texte inédit de Dominique A — une évidence tant leurs univers se répondent. La chanson, d’une beauté grave et maîtrisée, incarne parfaitement la manière dont Fredrika Stahl sait faire résonner les mots dans un espace délicat, presque suspendu. La vidéo qui accompagne ce premier titre joue d’ailleurs avec la tendresse et l’étrangeté : on y voit Dominique A sous forme de marionnette, figure articulée qui oscille entre présence et distance, comme pour matérialiser le dialogue subtil entre leurs deux mondes.

Les six autres pistes qui composent cette maison — « C’est nous », « Orages brûlants », « Au parfum », « Dans la forêt », « Sur les chemins », « Terre-Lune » — ont cette même sensibilité caractéristique d’une artiste en pleine mue, qui a choisi la langue de Molière pour nous ouvrir les portes de son intime sans jamais se travestir. Louanges brutes et mélodies organiques forment un ensemble de sept pièces où il fait bon se perdre.

Avec La Maison, Fredrika Stahl ouvre un nouveau chapitre de son parcours, plus intime encore, plus ancré, sans jamais trahir cette élégance en clair-obscur qui fait d’elle une artiste profondément singulière. Une voix qui ne se hausse jamais — parce qu’elle n’en a pas besoin pour atteindre le cœur. Vivement l’album.

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Depuis ses premiers pas devant les caméras, Sacha n’a jamais vraiment chanté — il s’est dévoilé. Sur le plateau de The Voice, où il apparaît encore adolescent, ce n’est pas la technique qui frappe, mais cette vibration étrange, presque douloureuse, qui traverse son timbre. Une fêlure assumée, un frémissement irrépressible. Déjà, il porte cette dualité rare : la fragilité mise à nu et la puissance qui cherche à s’affirmer. Une voix puissante qui raconte avant même de chanter. Portrait d’un écorché vif.

Les années qui suivent son passage à The Voice montrent un Sacha en évolution permanente. Il goûte d’abord à la lumière en intégrant le groupe Dante, qu’il accompagne jusqu’au succès en 2020 avec « Ça va aller ». Mais même dans la ferveur collective, Sacha porte en lui cette tension intérieure : l’envie de dire plus vrai, de dire seul. Sa mue artistique commence véritablement lorsqu’il s’engage en solo. « Mélancolie », son premier single en 2023, installe immédiatement son territoire : un terrain d’émotion brute, tendu, où la tristesse n’est pas un effet, mais un matériau de travail. Il y sculpte une sensibilité qui refuse le vernis.

Aujourd’hui, avec son premier EP Reptile, Sacha franchit une étape décisive. C’est un disque qui ne cherche pas à faire joli : il cherche à faire juste. À dire ce qui brûle. Le choix du mot « reptile » dit tout : l’idée d’une mue, d’une peau qu’on abandonne, d’une vérité à vif. Sacha livre six titres comme six états de survivance, six éclats de vie, six manières de rester debout quand tout vacille. Ce qui frappe, dès les premières secondes, c’est cette voix. Une voix d’écorché vif, oui, mais surtout une voix qui semble constamment au bord d’elle-même. Elle se brise, se tend, se suspend. Elle cherche l’air et l’arrache. Sacha ne chante jamais sur une blessure cicatrisée : il chante depuis l’intérieur de la plaie. C’est ce tremblement qui fait sa singularité. Ce grain instable, presque trop honnête, qui rappelle que l’émotion n’est pas une matière lisse.

Reptile épouse parfaitement cette sensibilité. Le paysage sonore est dépouillé, précis, tendu. Piano-voix comme une confession, samples discrets, guitares fines qui effleurent les mots plutôt qu’elles ne les portent, percussions étouffées comme un cœur qui bat trop vite. L’ensemble crée une atmosphère à la fois intime et nerveuse, où chaque souffle compte. On n’est jamais loin du cri contenu, de l’effondrement évité de justesse.

Dans ses textes, Sacha avance sans armure. « Papa » parle du manque et de la pression, de l’attente impossible. « Désaccords » dit la rupture avec un réalisme déchirant. « L’âge de son père » plonge dans une zone sombre sans jamais tout dévoiler. « Bandit de cinéma » rêve l’amour comme une cavale. « Romance » explore la dépendance affective. « Saxo », enfin, referme le disque en délicatesse — un piano, une voix, un souvenir de famille qui devient prière intime.

Sacha ne cherche ni la perfection ni l’effet : il cherche la vérité. Et c’est ce qui fait de lui un artiste à part dans la pop française actuelle, souvent lisse, calibrée, saturée. Il arrive avec une voix qui ne se cache pas, qui n’arrondit rien, qui tremble et qui tranche. Il arrive avec un récit intérieur qu’il refuse de simplifier. Il arrive avec ce courage rare : celui de montrer ce qui fait mal.

Définitivement, Sacha est un jeune chanteur en pleine métamorphose, qui n’a pas attendu d’être guéri pour créer. Reptile n’est pas une renaissance lumineuse : c’est une mue nécessaire, une avancée douloureuse mais lucide. Sacha avance encore fragile, encore vacillant, mais profondément vivant. Et sa voix — cette voix blessée, ouverte, incandescente — est son arme, son refuge, et la promesse d’une trajectoire singulière. Et on va suivre tout ça.

Premier EP Reptile maintenant disponible — Sacha sera en concert aux Disquaires à Paris le 2 décembre pour présenter son univers en live. Réservations via ce lien.

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