Il y avait, samedi dernier, au Rocher de Palmer près de Bordeaux, cette attente dense, presque silencieuse, qui précède les retours que l’on a idéalisés. Cinq années sans scène, un nouvel album, Christina, venu rappeler avec une justesse rare que Lilly Wood & The Prick n’avait rien perdu de sa pertinence, bien au contraire. Sur disque, le duo semblait s’être réconcilié avec lui-même, apaisé les tensions à l’origine d’une séparation temporaire, pour en faire une matière artistique. Sur scène, on attendait la prolongation de ce sentiment. Ce ne sera pas tout à fait le cas.

Le décor donne le ton : une esthétique sombre, presque étouffée, où un rideau aux fragments de verre et deux plateformes recouvertes de draps blancs peinent à structurer un véritable espace scénique. Les artistes s’y déplacent peu, s’y installent souvent, comme si la scénographie, au lieu d’accompagner le propos, le retenait. Très vite, une sensation d’immobilité s’installe, renforcée par une mise en scène qui tourne en boucle, sans montée ni respiration.

Mais ce qui trouble réellement, c’est ce qui se joue entre eux. Nili Hadida et Benjamin Cotto semblent évoluer sur deux lignes parallèles qui ne se croisent presque jamais. Elle tente, régulièrement, de créer du lien : un regard, une adresse, une question lancée au détour d’un morceau. Lui reste en retrait, presque fermé, répond à peine, sans sourire, sans véritable présence. À un moment, elle lui demande simplement « Comment ça va Benjamin ? » ; la réponse, brève, distante, laisse flotter un silence étrange. Ce n’est plus seulement une absence de complicité : c’est une tension perceptible, persistante, qui finit par s’imposer au regard du public. Dès lors, l’écoute change. On ne se laisse plus porter totalement par la musique, on observe. On cherche des signes, des accroches, une étincelle qui ne vient pas. Et c’est sans doute là que le concert bascule : dans cette impossibilité à faire oublier ce qui se joue en coulisses.

Musicalement, la frustration s’ajoute à ce trouble diffus. Le concert, ramassé en à peine une heure quinze, donne une impression d’inachevé. Là où l’on attendait un déploiement du nouvel album, plusieurs excellents titres de Christina manquent, comme si le groupe n’osait pas encore pleinement défendre ce virage pourtant réussi. Sur ceux qui sont joués, le décalage est parfois sensible : certaines chansons sont abaissées d’un ton, perdant en tension ce qu’elles gagnaient sur disque en intensité. La voix de Nili Hadida, si maîtrisée et habitée sur l’album, laisse apparaître ici des fragilités, voir même quelques faussetés qui désarçonnent. Pourtant, tout n’est pas à rejeter. Lorsque résonnent « Down the Drain », « Shadows », « Hey It’s OK », ou encore « Prayer in C », quelque chose du lien originel refait surface. Ces morceaux rappellent la capacité du duo à créer une émotion immédiate, une mélancolie accessible, presque universelle. Mais même ces instants-là semblent contenus, comme empêchés de pleinement éclore dans un cadre trop contraint.

La soirée, il faut le dire, avait été mal engagée. La première partie assurée par Judy Bloom avait laissé la salle froide, désorientée, face à une proposition encore trop amateur, nonchalante, presque désinvolte. L’arrivée du duo devait relancer la dynamique. Elle n’en sera qu’un rattrapage partiel.

Et puis il y a cette fin abrupte. « Prayer in C » vient clore le concert comme une évidence, mais sans véritable montée, sans respiration finale. Un « Merci beaucoup » rapide, presque expédié, et les lumières se rallument. Pas de rappel digne de ce nom, pas de prolongement, comme si le concert s’arrêtait avant d’avoir atteint son point d’équilibre. Le public reste suspendu, légèrement décontenancé, avec cette sensation tenace d’être resté à la porte de quelque chose. C’est peut-être là que réside la plus grande déception. Christina portait en lui l’idée d’une réconciliation, d’une maturité nouvelle, d’un duo capable de transformer ses failles en force. Sur scène, ces failles réapparaissent, sans être transcendées. Elles restent visibles, presque envahissantes.

Ces retrouvailles avaient tout pour être un moment fort, nécessaire même. Elles laissent au contraire une impression d’inabouti, comme si le groupe n’avait pas encore trouvé la manière d’habiter pleinement ce qu’il est redevenu. Et c’est précisément parce que l’on sait de quoi Lilly Wood & The Prick est capable que cette déception résonne avec autant de force.

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Il pleuvait sur Paris, un de ces dimanches d’hiver où l’on traîne un peu les pieds. Et puis les lumières se sont éteintes à l’Accor Arena, complet, ce 15 février 2026. L’entrée de RAYE a suffi à faire basculer l’atmosphère : une arène debout en une seconde, survoltée, comme si l’on assistait moins à un concert qu’à une consécration. Elle, visiblement heureuse, immanquablement touchée. Paris n’est pas une date comme les autres. C’est notamment ici que tout a commencé pour elle. Et cela se sent.

La soirée a pourtant mis du temps à s’installer. Ses sœurs, Amma puis Absolutely, ouvrent le bal avec des univers singuliers, encore fragiles mais prometteurs. Le talent circule dans la famille, c’est indéniable. Mais lorsque RAYE prend possession de la scène, l’écart devient manifeste : assurance, autorité, maîtrise. Elle tient le haut du podium sans hésitation. Dès les premières minutes, la salle est debout — toutes générations confondues, fait rare pour un dimanche soir parisien. « Where Is My Husband! », lancé très tôt, déclenche une ferveur immédiate : chaque parole reprise, chaque intonation anticipée. RAYE est bavarde, expansive, reconnaît des visages dans la fosse, plaisante, confesse. Elle ne joue pas la diva distante ; elle cultive la proximité. Ce lien constant avec le public nourrit l’énergie de la soirée. Et puis il y a « The Thrill Is Gone ». Une interprétation qui déclenche une standing ovation interminable. RAYE semble vaciller sous l’amour du public français, presque renversée par l’intensité du moment. Rarement l’Accor Arena aura paru aussi incandescent.

La scénographie accompagne cette ampleur nouvelle : écran géant en arrière-scène, 21 musiciens déployés comme un orchestre de revue moderne (cuivres, violons, percussions, etc.), deux choristes irréprochables. On est loin d’un set pop minimaliste. RAYE revendique le grand format, le live organique, presque théâtral. À mi-parcours, le décor se transforme même en club de jazz reconstitué ; elle s’y autorise toutes les excentricités, jusqu’à reprendre « Fly Me to the Moon », standard immortalisé par Frank Sinatra, avec une élégance mutine.

Pourtant, derrière la fête, les fêlures affleurent. « Ice Cream Man » suspend le temps. Dans une arène soudain silencieuse, RAYE évoque les violences faites aux femmes et la reconstruction. La chanson est devenue son étendard féministe, son manifeste intime. Elle la livre sans pathos, au piano, seule en scène, mais avec une intensité qui serre la gorge. Le public, bouillant quelques minutes plus tôt, écoute religieusement. On comprend alors que sa joie sur scène n’est pas vaine : c’est une victoire. Une véritable revanche sur la vie.

Les titres de son premier album My 21st Century Blues emportent plus facilement l’adhésion que ceux du second This Music May Contain Hope, présenté à quelques semaines de sa sortie. Les nouvelles chansons, moins viscérales peut-être, peinent encore à rivaliser avec les brûlures écrites dans les heures les plus sombres de sa vie. Sur « Oscar Winning Tears », l’émotion est intacte, mais le final déçoit légèrement lorsqu’elle confie la note aiguë au public, préférant ménager sa voix en pleine tournée. Un choix compréhensible, mais qui laisse entrevoir qu’elle n’est pas toujours à 100 % de ses capacités — même si l’ensemble reste d’une tenue remarquable. La clôture du set sur « Escapism » agit comme un sceau. Deux heures sans fausse note, une artiste au sommet de son art — bouleversante, drôle, charismatique.

Visiblement émue de voir cette salle pleine quand, quelques années plus tôt, elle jouait encore dans de petites salles parisiennes. Son ancien label, qui l’a bloquée plus de sept ans, doit sans doute s’en mordre les doigts. Car RAYE est aujourd’hui indépendante, fière de l’être, et ce succès est le sien — conquis de haute lutte.

Plus qu’une ascension, ce concert parisien ressemblait à une revanche. La preuve éclatante qu’une artiste libre, lorsqu’elle refuse de plier, peut transformer ses cicatrices en hymnes et une arène en célébration. Dimanche soir, RAYE n’a pas seulement conquis Paris : elle a pris sa place.

RAYE est actuellement en tournée mondiale à guichets fermés — Nouvel album This Music May Contain Hope à venir le 27 mars 2026. Précommandes ouvertes.

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Il a fallu quelques minutes pour que l’arène consente à se laisser faire. Hier soir, à l’Arena Futuroscope de Poitiers, près de 6 000 corps rassemblés retenaient encore leur souffle, comme au seuil d’un espace inconnu. Sur scène, Feu! Chatterton ouvrait le « Labyrinthe Tour » sans chercher l’effet immédiat, préférant installer une tension, un climat, une attente. Puis la voix d’Arthur Teboul s’est élevée, claire, habitée, et le décor s’est mis à bouger au-dessus des têtes. À partir de là, il n’était plus question d’orientation : le public venait d’entrer dans le labyrinthe.

Hier soir donc, quelque chose cherchait d’abord son souffle. Un public encore sur la retenue, comme si l’on hésitait à entrer pleinement dans le rituel. Puis la scène s’est mise en mouvement. Littéralement. Quinze cubes suspendus, mobiles, lumineux, dessinant au-dessus des musiciens un espace mental changeant, à la fois architecture et mirage. Le décor n’illustre pas la musique : il la prolonge, la trouble, la met en tension. Retour sur un soir de première. Au centre de l’arène, Arthur Teboul. En grande forme, en voix surtout. Diablement dansant, envoûtant, habité par une science du déplacement presque chorégraphique : il avance, recule, se fige, déclame. Chaque geste semble pesé, chaque inflexion du corps répond au texte. Arthur Teboul ne joue pas au frontman exalté ; il impose une présence plus rare, faite de retenue, de fièvre intérieure, de mots lancés comme des incantations. Sa timidité, jamais dissimulée, devient une force paradoxale : elle rend le charisme plus troublant, plus vrai.

Le concert alterne avec une grande intelligence les plages les plus poétiques — textes ciselés, poignants, où la langue précède presque la mélodie — et les moments de déflagration collective. Quand surgissent « Allons voir », « Un monde nouveau » ou « La Malinche », la salle se lève enfin, d’un seul bloc, et la transe prend. Ce n’est pas une suite de tubes : c’est une montée. Le groupe balaie l’ensemble de ses quatre albums, et à mesure que la setlist avance, le public se délie, se reconnaît, se laisse aspirer. Ce qui peinait à démarrer devient communion.

Musicalement, la formation est irréprochable. Une mécanique de précision, mais jamais froide. Les musiciens jouent serré, respirent ensemble, déploient des textures luxuriantes sans jamais écraser la voix. Un luxe sonore constant, du pur miel, qui rappelle à quel point Feu! Chatterton est avant tout un grand groupe de scène, capable de faire cohabiter exigence littéraire et puissance rock sans que l’un ne cannibalise l’autre.

Les moments de bascule sont nombreux. Arthur Teboul porté à bout de bras par la fosse dans un bain de foule suspend le temps, littéralement. Plus tard, le groupe surgit par surprise au cœur du public pour un titre guitare-voix, instant de dépouillement total, presque fragile, avant de remonter sur scène. Et puis la clôture, logique et symbolique, avec « Le Labyrinthe », morceau-titre et clef de voûte du concert : une manière de refermer le cercle après avoir égaré tout le monde à l’intérieur.

Cette première date dit beaucoup. De la proximité intacte du groupe avec son public. D’un désir de poésie live à contre-courant des concerts-spectacles aseptisés. Et d’un Arthur Teboul étincelant de talent, sans fausse note, modestie chevillée au corps, capable de transformer une arène en cérémonie. Le « Labyrinthe Tour » ne fait que commencer, avec des dates déjà complètes à l’Accor Arena de Paris les 10 & 11 février 2026 et une tournée estivale en festivals. Mais hier soir, à Poitiers, Feu! Chatterton a rappelé une chose essentielle : se perdre ensemble, quand la musique est juste, reste l’une des plus belles façons de se retrouver.

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Hier soir, au Palais des Congrès du Futuroscope de Poitiers, Sarah Schwab apparaît sans emphase, mais avec cette gravité discrète des artistes qui savent ce qu’ils ont à défendre. Le rideau s’ouvre sur une chambre d’adolescente reconstituée, légèrement kitch, presque trop sage pour être tout à fait crédible : c’est par cette image d’intimité fabriquée que le spectacle démarre, comme si l’on entrait dans l’espace mental d’un rêve ancien, longtemps ruminé. La salle, pourtant à moitié vide au lever du rideau, installe une tension sourde : il faudra conquérir.

Ce qui s’impose très vite, c’est la rigueur. La technique vocale est d’une précision redoutable : souffle long, contrôle millimétré, registres parfaitement négociés. Sarah Schwab traverse un vaste panthéon de voix féminines — des années 1980 à nos jours — avec une aisance déconcertante. Trois quarts des imitations sont saisissantes, presque troublantes de fidélité ; les autres, plus fragiles, laissent percevoir les limites d’un exercice qui reste, quoi qu’il arrive, une prouesse physique. Ces approximations ne fragilisent jamais l’ensemble : elles rappellent au contraire la part de risque inhérente au live, et rendent l’exploit plus humain.

Le spectacle, construit en medleys (Disney, grandes voix de la chanson française, icônes contemporaines, chansons cultes du cinéma), avance sans lourdeur. Sa durée — à peine une heure vingt — participe à cette sensation de flux continu : on ne voit pas le temps passer, et c’est déjà un signe de maturité dramaturgique. Pourtant, quelque chose résiste. La présence scénique demeure en retrait. Sarah Schwab sollicite souvent le public, multiplie les appels à la participation, comme si elle cherchait encore l’autorisation d’occuper pleinement l’espace. Elle n’ose pas toujours la posture de diva que son instrument vocal lui permettrait d’assumer sans discussion. Cette retenue, presque une pudeur, contraste avec l’assurance technique ; elle en est le principal paradoxe.

Puis vient la fracture. Piano-voix. Sa voix, la vraie. Sur « Je suis malade » emprunté à Serge Lama et popularisé par une Lara Fabian intense, Sarah Schwab cesse d’imiter pour se livrer. La ligne vocale se dépouille, les respirations deviennent audibles, la fêlure s’installe. Elle termine a cappella, hypnotique. La salle — désormais conquise — se lève. Ce moment agit comme une révélation : la quête qu’elle pose dès l’ouverture trouve ici sa réponse. Elle n’aspire pas seulement à devenir une grande chanteuse ; elle en possède déjà toute la matière.

Le point culminant du concert arrive avec l’imitation de la Diva du film Le Cinquième Élément de Luc Besson. Sans aucun artifice, sans machine, sans effets numériques. Un corps, une voix sifflet, des aigus vertigineux projetés dans l’air nu de la salle. L’exercice, souvent galvaudé, retrouve ici sa dimension spectaculaire originelle : celle d’un exploit vocal presque archaïque, qui laisse le public sidéré.

Accompagnée dans son parcours par son mentor et producteur Patrick Sébastien, Sarah Schwab se tient aujourd’hui à un seuil. À 26 ans, elle est déjà une technicienne hors norme, une interprète généreuse, capable de fédérer un public pourtant clairsemé au départ — la standing ovation finale en atteste. Mais ce concert dit surtout autre chose : l’imitation, aussi brillante soit-elle, n’est peut-être qu’un passage. Les soixante dates restantes pour sa tournée Du rêve à la réalité dessinent moins une confirmation qu’une transition.

En quittant la salle, une évidence s’impose, presque insistante : à quand un album avec sa propre voix ? Car si le spectacle prouve une chose, c’est que le rêve est déjà rattrapé par la réalité. Et que cette réalité, désormais, appelle un territoire plus personnel, plus risqué, à la hauteur du talent de Sarah Schwab qui ne demande qu’à s’émanciper. Une chose est sûre : une étoile vient de naître sous nos yeux.

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